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Art Gallery the Eye and the Hand
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Musée du quai Branly

The Quai Branly museum is set on quai Branly in the 7th district of Paris, where was located the Foreign Exchange Market Department. Ambitious project led by Jacques Chirac (passionated by « primitive art ») and realised by Jean Nouvel, it has been unveiled the 20th of June 2006.


Jacques Kerchache, art seller and african art expert, tried from the begining of the 1990’s to bring the « primitive arts » into the Louvre museum. In 1990 he signed in the newpaper Libération an article on this topic ; the same year he met Jacques Chirac, then mayor of Paris.

The latter is elected president of the Republic in 1995. As soon as he arrived at the head of the State, he askes for the opening of a primitive art department at the Louvre museum. One year later he announced the project of creation of a new museum, which quickly meet an opposition, especially  with a strike of the personnal of the Man museum in 1999, to stand in the way of the disassembly of the museum’s collections and criticize the primacy of the aesthetic choice instead of the scientific factors.

An architecture competition is sent out in 1999, designating Jean Nouvel as the architect.

This museum is unveiled the 20th of June 2006 by Jacques Chirac, in the presence of Kofi Annan, Rigoberta Menchú, Paul Okalik, Dominique de Villepin, Lionel Jospin and Jean-Pierre Raffarin. The Quai Branly museum has the status of public administratove institution. It’s placed under the guardianship of the Department of Culture and Communication, of National Education and of Higher Education and Research.

The museum is open since the 23th of June 2006.

Now and again, an activity report allow to show the evolution of the number of visitors. After one month when there have been 151 000 visitors, the medium is around 125 000 visitors per month.


The museum assemble the former collections of ethnology from the musée de l'Homme (located in the Palais de Chaillot) and those of the National Museum of African and Ocianian art. Around 300 000 items have been transfered from the musée de l'Homme; 3500 are esposed in the museum permanent collection. Immense space without partitions,  the items are divided in big continental "zones": Africa, Asia, Oceania and the Americas. The items are opened to the public thanks to the contextualisation of the differents levels of information: cartels, cultural mediators, texts and multimedia including pictures, films and musics. 

As a complement of the permanent collections, ten temporary exhibitions per year, split between the suspended galleries and the garden gallery, space of the important international exhibitions, allow to present themes while showing the wealth of the collections.


The whole takes up a surface of 40 600 m² split on four buildings and exposes 3 500 items, selected in a collection which group together 300 000 items. The flat of 5 floors covered by a 800 m² vegetal wall has been designed by the architect Jean Nouvel inreference to the Eiffel tower, closed like a 3 200t bridge on which 31 multimedia cells are suspended on top of a 18 000 m² garden designed by the architect-landscape gardener Gilles Clément. In this garden, composed of tracks, small hills, ways paved with river stones, pools favourable to mediation and daydreaming, 178 trees will be planted. The museum had cost almost 233 millions of euros.

The 4 buildings are:

- the museum itself, of which the main gallery (200m long) includes several lateral rooms which are represented outside by coloured boxes. The museum also includes an auditorium, some lesson classes, a reading room, a temporary exhibitions space, a restaurant; l
- the Université  flat includes a library, offices and workshops;
- the Branly flat (at the 800 m² vegetal wall level, designed by Patrick Blanc) which inclued the administratuin on 5 levels;
- the canopy, which included the multimedia library and the reserves

A several meters long sinusoidal route in light rise leads from the small entrance of the site to the collectionsplunged in darkness.


The museum publishes since 2005 the anthopology and museology journal  Gradhiva. This journal, founded by Michel Leiris and Jean Jamin in 1986, is devoted to the contemporary research in ethnology, history of anthropology, famous ethnologists' archives and non-western aesthetics. Because of its topic, Gradhiva is regularly interested in the quai Branly museum's collection.


The creation of the museum, the biggest project of this kind in the world, has been proned to some controversies before its opening:

  • Art or culture ?With the transfer of a large part of the items formerly exposed in the musée de l'Homme, the question is asked again about the link between what comes under Art - what has to be exposed in the museum - and what comes under culture. 
  • What is a "art premier" ?The notion of "art premier", pretty recent, is itself proned to controversies, because it could make the peoples who product it as primitives. This evolutionnist conception is widely refuted, for example by the anthropologists. Even if at the begining of the creation of the project the qualification "Arts premiers museum"  was sometimes annouced, today it seems to be perfectly incorrec. Despite this connotation, th eterm "arts premiers" has been taken in the informal language. .
  • Representation equality for every people of the world. If the museum has the vocation to expose the artistic production of the whole world civilisations, we can notice a large disparity of representation. For example the opening of this museum has created protests in Quebec because of the almost-absence of canadian works of art. Thus, the Great White North Inuit are reprensented by a simlple comb, and the first Quebec nations by two weaved belts.

L'ensemble des critiques se rapportant à la genèse, à la création et au coût de ce musée font l'objet d'un ouvrage de l'ethnologue Bernard Dupaigne, professeur au Muséum national d'histoire naturelle, paru en 2006 sous le titre « Le scandale des arts premiers. La véritable histoire du musée du quai Branly ».


  • Bernard Dupaigne, Le Scandale des arts premiers. La véritable histoire du musée du quai Branly, Mille et une nuits, Paris, 2006, ISBN 284205962X, 261 p.
  • Germain Viatte, Yves Le Fur, Christine Hemmet et Hélène Joubert, Le guide du musée du quai Branly, Musée du Quai Branly, Paris, 2006, ISBN 2915133182, 307 p.
  • Stéphane Martin, Chefs-d'œuvre : Dans les collections du musée du quai Branly, Musée du Quai Branly, Paris, 2006, ISBN 2915133212, 113 p.
  • L’étrange étranger – « D’un regard l’autre », l’exposition-manifeste du musée du quai Branly, Télérama, Hors-Série, 20 septembre 2006.
  • Quai Branly – le musée de l’Autre, Télérama, Hors-Série, 20 juin 2006.
  • Benoît De L’Estoile, Le goût des autres. De l’exposition coloniale aux arts premiers, Paris, Flammarion, 2007.
  • Sally Price, Paris Primitive: Jacques Chirac's Museum on the Quai Branly, Chicago, University of Chicago Press, 2007 (Paris Primitif : le musée de Jacques Chirac sur le quai Branly, publication prévue en novembre 2007).
  • Rita Di Lorenzo, « Notre musée d’autrui - Réflexions sur la beauté du Musée du Quai Branly », paru dans MEI – Médiation et Information n. 24/25 (2006), Paris, éd. Harmattan, avril 2007.
  • Thule, Rivista italiana di Studi Americanistici n°16-17 Regards croisés sur l’objet ethnographique : autour des arts premiers (sous la direction de Giulia Bogliolo Bruna), 2006.


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Enchevêtrement de cordes, accumulation d’éléments hétéroclites, petits tas innommables, tels sont les objets de divination d’Afrique présentés dans cet ouvrage. Ces figures de l’informe, perçues parfois comme repoussantes et étranges, sont bien plus familières qu’on le suppose au premier abord, et ne parlent pas d’autre chose que de la vie et des innombrables fils de l’existence, qui ne cessent de se nouer et de se défaire. Il ne s’agit pas là d’un quelconque hommage à une Afrique mystérieuse et fétichiste, mais d’honorer la créativité humaine et la variété des formes qu’elle sait emprunter.

Exposition. Musée du quai Branly (2009) Recettes des dieux : esthétique du fétiche Actes Sud 19,90 €
Collectif sous la direction de Jacques Kerchache L'art africain Citadelles & Mazenod 199,00 €
Faïk-Nzuji, Clémentine M. Arts africains : signes et symboles De boeck 42,00 €
Collectif Empreintes d'afrique : art africain, art moderne L'atelier 9,91 €
Bassong, Mbog Esthétique de l'art africain : symbolique et complexité L'Harmattan 21,00 €
Diagne, Souleymane Bachir Léopold Sédar Senghor, l'art africain comme philosophie : essai Riveneuve 15,00 €
Exposition. Afrikamuseum (2007-2008) Ubangi, art et cultures au coeur de l'Afrique Actes Sud 99,95 €
Lecomte Alain Art, magie et médecine en Afrique Noire Gallerie Alain Lecomte 35,00 €
Exposition. Fondation Dapper (2007-2008) Animal Musée Dapper 45,00 €
Exposition. Fondation Dapper (2006-2007) Gabon : présence des esprits Musée Dapper 38,00 €
Exposition. Fondation Dapper (1996-1997) Magies Musée Dapper 44,97 €
Exposition. Fondation Dapper (1997) Réceptacles Musée Dapper 42,69 €
Exposition. Musée du quai Branly (2007) Objets blessés : la réparation en Afrique Musée du quai branly 25,00 €
Fiemeyer, Isabelle Marcel Griaule, citoyen dogon Actes Sud 25,00 €
Kedzierska Agnieszka, Jouvelet Benoït Guérisseurs et féticheurs : la médecine traditionnelle en Afrique de l'Ouest Alternatives 25,00 €
Lainé Daniel, Stamm Anne, Saulnier pierre Dieux noirs Arthaud 40,00 €
Pietz, William Le fétiche : généalogie d'un problème Eclat 20,00 €
Griaule, Marcel Dieu d'eau : entretiens avec Ogotemmêli Fayard 20,00 €
Collectif sous la direction de Umberto Eco Histoire de la laideur Flammarion 39,90 €
De Pascale, Enrico La mort et la résurrection Hazan 27,00 €
De Clippel Catherine, Colleyn Jean-paul Secrets : fétiches d'Afrique La Martinière 35,00 €

Recettes des dieux - Esthétique du fétiche
exposition dossier, du 3 février au 10 mai 2009
musée du quai Branly
bibliographie sélective RMN - Département du livre - librairie RMN du quai
Bibliographie Recettes des dieux - esthétique du fétiche

Coppo, Piero Les guérisseurs de la folie, histoire du plateau dogon : ethnopsychiatrie
Les empêcheurs de penser
en rond
14,33 €
Surgy, Albert de
La divination par les huit cordelettes chez les Mwaba-Gurma ( Nord Togo ).
Volume 2, L'initiation du devin et la pratique divinatoire
L'Harmattan 29,00 €
Surgy, Albert de
La voie des fétiches : essai sur le fondement théorique et la perspective
mystique des pratiques des féticheurs
L'Harmattan 33,55 €
Surgy, Albert de Nature et fonction des fétiches en Afrique noire : le cas du Sud-Togo L'Harmattan 42,70 €
Hubert, Jacques
Rites traditionnels d'Afrique : approche pour une théologie liturgique
L'Harmattan 18,00 €
Tobia-Chadeisson, Michèle Le fétiche africain : chronique d'un malentendu L'Harmattan 23,00 €
Didi-Huberman, Georges La ressemblance informe ou Le gai savoir visuel selon Georges Bataille Macula 30,00 €
Clément Catherine, Nathan Tobie Le divan et le grigri O. Jacob 8,40 €
Assoun, Paul-Laurent Le fétichisme PUF 8,00 €
Meyer, Laure Objets africains Terrail 19,00 €
Leiris, Michel Objets rituels dogons Toguna 3,50 €
Collectif Gris-gris, fétiches et porte-bonheur Cerisaie 14,00 €
Pavy, Agnès Fétiches le Cherche Midi 14,50 €
Soalma, Bwénimavé La case aux fétiches : légendes des savanes d'Afrique (Burkina-Niger) L'Harmattan 22,00 €
N'Diaye, Bokar La mort des fétiches de Sénédougou Présence africaine 18,29 €
Badian, Seydou Noces sacrées Présence africaine 6,10 €
Collectif L'essentiel de la sagesse africaine Presses du Chatelêt 12,00 €
Hergé Tintin au Congo Casterman 17,95 €
Geoffroy-Schneiter Bérénice, Jean Christine Ekomi, le messager des esprits Dapper 11,00 €
Gabriel Kinsa, Zaü, François place Sorcier du fleuve Diata association 13,00 €
Djeukam, Anselme La case mystérieuse : Cameroun L'Harmattan 7,00 €
Govignon, Brigitte L'art en puzzles : l'Afrique Mango-Jeunesse 10,50 €
Nille, Peggy Mes créations du monde, Afrique Mila 8,95 €
Lebot, Sophie Mon grigri en feutrine Milan jeunesse 6,50 €
Pied, Savine Crée des objets d'Afrique Père Castor-Flammarion 7,50 €
Sellier Marie, Lesage Marion L'Afrique, petit Chaka…
Réunion des musée
13,00 €
Bibliographie Recettes des dieux - esthétique du fétiche

ivoires d'Afrique

19 février - 11 mai 2008

Dès le XVIème siècle, un certain nombre de pièces en ivoire sculptées par les artistes africains, provenant de zones qui correspondent à l'embouchure du Congo, à la Sierra Leone et au Nigéria actuels, sont entrés dans des collections aristocratiques, moins comme des objets de curiosités que comme des oeuvres exotiques et luxueuses. Cette exposition réunit une vingtaine des plus anciens objets africains collectés par les Européens et conservés aujourd'hui dans des collections françaises, accompagnés de documents mettant en valeur la profondeur historique du continent africain et de ses productions ainsi que la question de la circulation des motifs iconographiques entre Europe et Afrique. Ivoires d'Afrique présente au grand public un aspect peu connu de l'histoire du goût et de l'histoire de l'art.


Commissariat : EZIO BASSANI

Italien de Varèse, éminent spécialiste des arts africains, Ezio Bassani a commencé, en 1973, par faire la compilation du catalogue sur la sculpture africaine dans les musées italiens. À partir de 1977, il a enseigné l’histoire des arts africains à l’Università Internazionale dell’Arte (U.I.A.) de Florence. 
Grâce à ses connaissances historiques, il a été nommé membre du Comité scientifique de l’Université florentine (U.I.A)., du Comité de la Rédaction de la revue Critica d’Arte, du Comité des conseillers éditoriaux internationaux du Journal of the History of Collections à Oxford. Il a également fait partie du Conseil Scientifique de la Mission de préfiguration du Musée des Arts et des Civilisations (musée du quai Branly) à Paris.
Parallèlement à ces responsabilités, Ezio Bassani a été le commissaire - et l’auteur des catalogues – de plusieurs expositions qui se sont déroulées en France, en Italie, aux Etats-Unis, au Japon, en Suisse, et en Belgique. Il a notamment réalisé l’exposition Afrique, chefs d’œuvres d’un continent à Turin, en 2004.

Ivoires d'Afrique

dans les anciennes collections françaises

L’arrivée en Europe d’œuvres en ivoire d’origine africaine, à la fin du xve siècle, à l’époque des premières explorations et au début du XIXe siècle, lorsque le continent devient territoire de conquête pour les puissances coloniales, révèle l’existence jusqu’alors insoupçonnée de civilisations africaines évoluées. Si certains ivoires étaient destinés à l’usage intérieur, comme les olifants, marques de dignité, d’autres ont été créés à la demande de navigateurs portugais pour l’exportation. On désigne ce second ensemble par l’expression « ivoires afro-portugais ». Ces pièces raffinées étaient notamment prisées par les rois et les princes, amateurs de curiosités exotiques. Le catalogue présente vingt-cinq sculptures africaines en ivoire provenant de l’embouchure du Congo, de la Sierra Leone et du Nigeria actuels. Enrichi de photographies privilégiant en particulier les gros plans, et de nombreux documents (gravures, dessins, tableaux…), il souligne l’ancienneté et la richesse des collections françaises tout en permettant de mieux cerner le contexte des contacts entre l’Europe et le continent noir.


Cinq siècles d’art royal

Produit par le Museum für Völkerkunde (musée d’ethnologie) de Vienne, le catalogue Bénin, cinq siècles d’art royal  permet de découvrir les chefs-d’œuvre de l’art de cour du royaume de Bénin situé au sud de l’actuel Nigeria.

Ouvrage de référence de plus de 500 pages, édité pour cette vaste rétrospective,  il inclut une présentation des traditions locales du Nigeria, fait le point sur les recherches de terrain les plus récentes et propose une analyse historico-culturelle, symbolique et iconographique des objets exposés, d’une importance cruciale pour l’identité du royaume de Bénin.

Il est le parfait miroir de l’exposition qui regroupe, pour la première fois en Europe, des collections provenant principalement d’Angleterre, d’Allemagne et d’Autriche. L’ensemble de ces œuvres, d’une remarquable unité historique, dessine un vaste panorama de l’art et de la culture du royaume de Bénin.

Trésors de l’humanité et pièces maîtresses des musées du monde entier, de magnifiques bronzes et des sculptures en  ivoire sont au cœur du parcours., complété par des cartes, des manuscrits et des chroniques de voyages, autant d’indices, pour le lecteur, de l’immense richesse du passé du Nigeria.

cinq siècles d'art royal

2 octobre 2007 – 6 janvier 2008

Commissaire : Barbara Plankensteiner, directeur des collections Afrique du musée d’Ethnologie de Vienne.

Produite par le musée d’Ethnologie de Vienne, l’exposition Bénin propose de découvrir les chefs d’œuvre de l’art de cour du Royaume de Bénin. Cette exposition rassemble, pour la première fois en Europe, des collections provenant principalement d’Angleterre, d’Allemagne et d’Autriche. L’ensemble de ces œuvres, d’une remarquable unité historique, dessine un vaste panorama de l’art et de la culture du Royaume de Bénin. Bronzes et ivoires mais aussi cartes, manuscrits et chroniques de voyages constituent pour le visiteur autant d’indices de l’immense richesse du passé du Nigeria.


le catalogue de l'exposition Bénin, cinq siècles d'art royal. Une coédition musée du quai Branly – Museum für Völkerkunde, Vienne


Art de femmes berbères

Le catalogue réalisé pour l’exposition Ideqqi, art de femmes berbères, est la première synthèse sur l’art de la poterie berbère en Algérie, spécifiquement féminin. Il est basé sur les collections du musée du quai Branly, particulièrement riches.

Après une introduction de Marie-France Vivier, commissaire de l’exposition, Ernest Hamel brosse un panorama historique de la poterie kabyle, tandis que Claude Presset, à travers une iconographie sélectionnée, propose les étapes de fabrication, du pétrissage à la cuisson.
Les textes de Dalila Marsly présentent les différentes fonctions des objets exposés, notamment à travers leurs usages domestiques.
Enfin, le dernier texte de Marie-France Vivier permet au lecteur de comprendre la symbolique des décors, en dressant certaines comparaisons, avec, par exemple, les tatouages des femmes kabyles photographiées il y a plus de quarante ans par Marc Garanger.



  • 96 pages au format 20 x 26 cm
  • 62 planches en couleurs, et 97 vignettes (catalogue raisonné)
  • 3 cartes géographiques

Prix de vente public : 25 €

isbn 2-915133-59-2 / 978-88-7439-381-7

Coédition musée du quai Branly/5 Continents

commissaire de l'exposition

Marie-France Vivier, conservateur honoraire, responsable des collections de l’Afrique septentrionale au musée du quai Branly. Elle est notamment l’auteur de Une passion pour l’art africain (Joël Cuenot, 2005), Algérie, mémoire de femmes (Paris-Musées 2003).

19 juin – 16 septembre 2007

Ideqqi, arts de femmes berbères met l’accent sur une forme d’art populaire authentique, encore largement ignoré du grand public. La poterie modelée est un témoin aussi précieux que fragile d’un lointain passé : formes arrondies et moulées, décors incisés ou en relief - que l’on retrouve dans les pièces du néolithique-, décors peints - qui s’apparentent à ceux des vases puniques et des poteries siciliennes. L’exposition met en lumière l’originalité de ces pièces par rapport aux faïences citadines, et souligne leur ancrage africain très marqué et leur relation étroite avec l'art ancien de la Méditerranée.


Commissaire : Marie-France Vivier, ancienne  responsable des collections de l’Afrique septentrionale au musée du  quai Branly.


Ideqqi, art de femmes berbères. Sous la direction de Marie-France Vivier. Co-édition musée du quai Branly - 5 continents.

les auteurs

  • Ernest Hamel, collectionneur de poteries algériennes
  • Claude Presset, potière, spécialiste des techniques de poterie et de céramique
  • Dalila Marsly, professeur d’université

Objets blessés

La réparation en Afrique

Réparer, recoudre, consolider, colmater… Objets blessésaborde le thème inexploré de la réparation locale par les populations autochtones. Cette publication ouvre un regard nouveau sur les objets africains, et présente 120 « objets blessés » choisis parmi les 500 objets réparés du musée du quai Branly. Le catalogue propose de nombreux points de vue car chaque culture donne à la réparation des objets, rituels ou usuels, une forme et un sens différents.

Mais il s’interroge aussi sur le caractère poétique de la restauration. Par ce supplément presque mystique de vie et de puissance que le geste de l’homme confère à l’objet, celui-ci semble durablement soustrait à l’éphémère. En outre, la réparation est une marque d’authenticité, si tant est qu’on ne cherche pas à la falsifier.

La première partie précise les sens du mot « réparation », aussi bien en français que dans un certain nombre de langues africaines. Puis sont mises en évidence les différences entre réparation et restauration. Enfin une réflexion ethnologique situe l’acte de réparation dans la vie complexe de l’objet.

La deuxième partie explore le sens de la réparation pour les trois principales religions présentes dans le continent : l’animisme, l’islam et le christianisme.

La troisième partie soulève, de façon plus analytique, la question de la réparation pour trois cultures différentes : Maghreb, Dogon, Gabon.

Enfin, le dernier texte montre l’importance des concepts de déchirure et de réparation dans l’art occidental contemporain.


96 pages au format 20 x 26 cm

58 illustrations en couleurs

Prix de vente public : 25 €

Isbn 978-2 915-133-48-6 / 978-88-7439-380-0

Coédition musée du quai Branly – 5 Continents

commissaire de l'exposition

Gaetano Speranza, société d’ethnologie, université Paris X-Nanterre.

les auteurs

Hana Chidiac, Michèle Dejean, Marie-Claude Dupré, Éric Jolly, Kadidia Kane Devautour, Salia Malé, Françoise Monnin, Louis Perrois, Albert Rouet, Paulette Roulon-Doko

objets blessés. la réparation en Afrique

19 juin - 16 septembre 2007

réparer, restaurer, recoudre, consolider, colmater…

"objets blessés" aborde le thème inexploré de la réparation locale par les populations autochtones.

L’exposition porte sur les collections africaines du musée du quai Branly, et présente 110 « objets blessés » choisis parmi les 500 objets réparés de la collection (60 000 pièces).

Un programme vidéo et des photographies complètent l'exposition en apportant un regard contemporain sur les réparateurs maliens.


Objets blessés. La réparation en Afrique, sous la direction de Gaetano Speranza, coédition musée du quai Branly/5 Continents.

Editorial par Gaetano Speranza, commissaire de l’exposition Objets blessés

Calebasse, Mali
Calebasse détail

«  A l’origine, l’idée est simple : nous étudions et exposons la réparation, largement présente en Afrique, mais négligée dans nos collections et dans nos recherches. Mais tout se complique dès que nous nous interrogeons sur le sens des mots.

On répare une calebasse cassée. Mais répare-t-on aussi la Mosquée de Djenné ? Les poteaux qui sortent du corps de la Mosquée sont en même temps des éléments structurels inhérents à sa construction, et des marches permettent de la parcourir lorsqu’il est nécessaire de la remettre en état.

En Occident, on ne répare pas une cathédrale ; on la restaure ou on la consolide, et l’on détruit des gratte-ciels pour les remplacer par d’autres.

Masque, Côte d'Ivoire
Gardien de reliquaire, Kota, Gabon. Détail

Si un récipient percé ou cassé ne remplit plus sa fonction, il doit être réparé ou remplacé. Mais à partir de quel degré de dégradation un masque ou une statue perdent-ils leur fonctionnalité rituelle ? Et par quel type d’intervention peut-on restaurer cette fonctionnalité ? La réparation a-t-elle ce seul objectif ou vise-t-elle seulement à empêcher la dégradation ultérieure de l’objet ?

Il est aussi des interventions dont le résultat ressemble à s’y méprendre à une réparation et qui, pourtant, ne sont qu’ajout, simple décor. Parfois même, ce qui apparaît comme une réparation n’est qu’une partie constitutive de la structure d’origine de l’objet. Par exemple, une grosse ligature de ficelle qui couvre les jambes d’une statue peut être le simulacre d’une maladie.

Mariam Traoré et Sitan Koumaré. Réparation d'un pot en terre cuite

Dans une harpe, on remplace les cordes, et si une clé casse, on la remplace aussi, mais s’agit-il de réparation ou d’entretien ? En revanche, si un rat mange la peau de la table qui entoure l’ouie, on recoud un morceau de peau et il s’agit bien de réparation.

Et si l’on colmate une fente dans un statue, avec du tissu ou de la résine, peut-on encore parler de réparation ?

Enfin, pouvions-nous penser que les dieux allaient s’en mêler ? Chaque religion, chaque culture donne un sens différent à l’objet, à ses blessures, à ses réparations. Ainsi, le concept apparemment simple et univoque de « réparation » nous apparaît progressivement dans toute sa complexité. »


objets : © musée du quai Branly photos Patrick Gries

les potières : © e média photo Laurent Schneiter


Chimères africaines

Les masques-cimiers Ciwara font partie des pièces les plus connues de l’art africain. Chefs-d’œuvre incomparables des cultures bamana (Mali) et sénoufo (Mali, Côte d’Ivoire), symboles énigmatiques et emblématiques de l’art africain, les clichés foisonnent lorsque l’on évoque ces fameux cimiers de tête. Il existe peu de sculptures dites traditionnelles en Afrique qui aient suscité autant d’admiration de la part des amateurs et collectionneurs. Ce catalogue a pour but de combler cette lacune et de proposer une mise au point scientifique sur le sujet. Il évoque notamment la perméabilité des frontières artistiques et l’usage de ce type d’objets qui ne sortent pas uniquement lors des rites agraires mais à plusieurs occasions au cours de l’année (divertissement, cérémonies importantes telles que funérailles, lutte contre les morsures de serpent,…). Il met également en avant la richesse du musée, sans équivalent dans les collections internationales, avec ses cinquante-cinq masques reproduits à la fin de l’ouvrage.


96 pages au format 20 x 26 cm

70 illustrations, et 55 vignettes pour le catalogue raisonné


prix de vente public : 25 €

isbn  2-915133-15-8 / 88-7439-318-0

Coédition musée du quai Branly/5 Continents

commissaire de l'exposition

Lorenz Homberger, directeur adjoint du musée Rietberg, Zürich

les auteurs

Jean-Paul Colleyn, directeur d’étude à l’EHESS et Aurélien Gaborit, chargé des collections Afrique, musée du quai Branly

photographies contemporaines de Catherine De Clippel

Ciwara, chimères africaines

23 juin – 17 décembre 2006

Les masques cimiers Ciwara sont emblématiques de l’art de l’Afrique de l’Ouest, particulièrement représentatifs du goût des collectionneurs d’art « primitif » du XXe siècle.
De très nombreux exemplaires ciwara se trouvent depuis lors dans des collections publiques ou privées de par le monde.
Cette exposition montre l’aspect traditionnel de la société bamana, essentiellement, du Mali, tout en mettant l’accent sur l’aspect esthétique de ces cimiers antilopes en bois sculpté, gravés, patinés, peints, dont les formes stylistiques et les matériaux varient en fonction des régions et de l’évolution du temps.
Les danses de la société ciwara sont liées aux rites agraires et, par conséquent, à l’idée de fertilité, de fécondité, d’ensemencement. En s’efforçant de maîtriser les éléments de la nature - que miment les contorsions des masques d’antilope au cours des cérémonies - les hommes cherchent à faire des animaux leurs alliés.
Selon les villages, ces masques qui généralement sortent en couple, peuvent avoir un usage différent. Mais dans tous les cas, ce sont des objets fédérateurs et protecteurs pour la communauté, d’autant plus qu’ils peuvent être vus de tous, n’étant pas réservés aux seuls initiés.
Largement répandu au Mali, le culte ciwara connaît  un déclin progressif.

le parcours de l’exposition

L’exposition présente quatre ensembles régionaux conformes aux différents styles de cimiers :

1 - Le style de la région de Bougouni

Les masques de cette région présentent plusieurs motifs animaux combinés sur la même pièce. D’après les mythes bamana, ils remonteraient à une époque ancienne et seraient l’attribut d’une danse frénétique de l’antilope qui aurait offert aux hommes leur première céréale.

2 - Le style de la région de Bamako

Dans la zone d’influence de Bamako et au nord du fleuve Niger, la structure du cimier est marquée par l’horizontalité; les cornes de l’antilope, symbole de la poussée du millet gagnent en largeur et sa gueule est ouverte, laissant apparaître la langue.

3 - Le style de la région de Ségou

Les antilopes rattachées à ce style extrêmement raffiné donnent une impression de verticalité accentuée. Le mâle se différencie de la femelle. Il est en effet plus grand avec un sexe fortement marqué.

4 – Les autres régions stylistiques

Parmi les productions dont il est difficile de déterminer l’origine, un dernier groupe stylistique de cimiers est attribué, avec moins de certitude, à la région de Sikasso caractérisée par ces masques aux lignes épurées et aux formes raffinées et stylisées.
Outre quelques photographies qui scanderont le parcours de l’exposition, la projection de films permettra de montrer les masques en mouvement.

la culture bamana du Mali dans le parcours permanent du musée

Dans une vaste zone consacrée à l’Afrique occidentale, une douzaine de vitrines plus ou moins rapprochées (entre AF 20 et AF 105) contiennent  des objets bamana de tous genres et de styles très variés : boubou brodé, tunique talismanique, statues en bois, objets sacrés du Kono, lances anthropomorphes, masques et cimier, serrure, instruments de musique, bonnets et pagne de chasseur.

le catalogue

Ciwara, chimères africaines, sous la direction de Lorenz Homberger, 96 pages, coédition musée du quai Branly/5 Continents, 25 €

qu’est-ce qu’une exposition dossier ?

Il s’agit d’une exposition, le plus souvent à caractère ethnographique et thématique, d’une durée de visite d’environ I/2 heure, qui présente et met en valeur la richesse et la diversité des collections du musée du quai Branly.

prochaines expositions dossiers :
Collections royales d’Amérique du Nord
« Le Yucatan est ailleurs » expéditions photographiques de Désiré Charnay(février – mai 2007)

Ciwara, chimères africaines

commissaire d’exposition : Lorenz HOMBERGER
scénographie : Frédéric DRUOT

D'un regard l'Autre

Histoire des regards européens sur l’Afrique, l’Amérique et l’Océanie

D’un regard l’Autre est consacrée aux visions successives portées par les Européens sur les cultures d’Afrique, des Amériques et d’Océanie. Ce programme est un prétexte pour mettre en perspective, par des séries thématiques, la relativité de nos regards au seuil d’un nouveau musée. Plutôt qu’un retour vers le passé, ce catalogue (et l’exposition qui en est la source) marque un point de départ.

De la Renaissance jusqu’à aujourd’hui, les « idoles des Sauvages », « instruments des naturels », « fétiches primitifs », « sculptures nègres » ou « arts premiers » furent les témoins des goûts et des dégoûts, révélateurs des réflexions sur l’altérité. L’originalité de la publication tient à cette profondeur historique qui permet d’inscrire ces objets dans une histoire de l’art élargie.

Le musée du quai Branly fait appel non seulement à des œuvres d’autres cultures témoignant des premiers contacts avec l’Europe, mais aussi aux œuvres européennes au milieu desquelles elles furent disposées. Le catalogue montre ainsi, en une suite de chapitres singuliers, comment les regards européens ont progressivement admis d’autres créations, passant, par exemple, de la curiosité émerveillée aux classements systématiques, des errances évolutionnistes aux images de l’Universel.

Au fil des pages, le lecteur voyage avec la Nef de Charles-Quint, trésor du musée d’Écouen, les portraits d’indiens du Brésil peints en 1637 pour le palais du prince de Nassau, les coupes en corne de rhinocéros des Habsbourg, un masque précolombien en turquoise monté par les Médicis dans une pièce d’orfèvrerie, les ivoires afro-portugais du XVIe siècle, le costume de deuilleur de Tahiti rapporté par le capitaine Cook, un mystérieux crâne de cristal, La charmeuse de serpent du Douanier Rousseau, un masque Punu acquis par Picasso en 1908, Noire et blanche de Man Ray…



352 pages au format 25,8 x 28,5 cm

420 illustrations en couleurs

prix de vente public : 49 €

isbn 2-915133-32-8 / 2-7118-5219-9

Coédition musée du quai Branly/Réunion des musées nationaux

commissaire d'exposition

Yves Le Fur,  directeur adjoint du département du patrimoine et des collections, responsable des collections permanentes, musée du quai Branly

les auteurs

Zeno Bianu, Monique Jeudy-Ballini, Adrienne Kaeppler, Maureen Murphy, Pascal Riviale, Nanette Snoep, Claude Stefani, Françoise Viatte.

D’un regard l’Autre

18 septembre 2006 – 21 janvier 2007, Galerie jardin

Cette exposition met en perspective la multiplicité des regards que l’Europe a portés sur les cultures d’Afrique, d’Amérique et d’Océanie, découvertes par voie de mer essentiellement, de la Renaissance à nos jours.
Véritable manifeste pour le nouveau musée, elle pose la question de l’altérité à travers un exceptionnel ensemble d’objets. Idoles, bibelots exotiques, fétiches, sculptures primitives tracent la diversité de ces approches qui amorcent une histoire de la culture occidentale dans son rapport à l’Autre, perçu tantôt comme l’être originel, pur et innocent, tantôt comme le sauvage ou le cannibale aux instincts sanguinaires.
Des pièces européennes sont ainsi également montrées afin de mieux faire comprendre le contexte dans lequel les œuvres d’autres cultures ont pu être accueillies.
Cette promenade dans le temps et l’espace invite à suivre l’évolution et les errances du goût, entre l'émerveillement et l'effroi, la curiosité et le fantasme, le mépris et la reconnaissance.


le parcours de l’exposition

L’exposition s’articule autour de grandes thématiques qui se déclinent à partir d’un certain nombre de repères chronologiques. On y retrouve des constantes : la présence récurrente d’un certain type d’objets (les armes notamment), de certaines images (le sauvage, l’Eden) et la permanence d’une réflexion toujours renouvelée sur l’homme et l’univers.

1. théâtre du monde

Ce premier tableau de l’histoire des regards débute à la Renaissance dès la fin du XVe siècle avec les premières conquêtes des « terra incognita », notamment les côtes de l’Afrique et l’Amérique précolombienne, et se termine vers 1760 au moment où se précise l’étude de la cartographie et du corps anatomique. La connaissance du dehors et du dedans se font alors écho dans une même volonté encyclopédique.
Les cabinets de curiosité ou « chambres des merveilles » font aussi leur apparition avec pour objectif de rassembler en un microcosme le macrocosme de l’univers, l’ensemble des savoirs, les technologies nouvelles.
Ainsi, toutes sortes d’objets hétéroclites (ce qui a trait aux parures et aux vêtements, les matières rares et précieuses, les coquillages, les insectes, les plantes aux vertus prétendument médicinales, les fossiles, crânes et squelettes, les vestiges de l’Antiquité …) sont-ils réunis en fonction de leur forme et de leur pouvoir analogique.

2. histoires naturelles du monde

Entre 1760 et 1800 environ, l’exploration du Pacifique favorise la rencontre de mondes en apparence antagonistes. De grandes expéditions souvent constitué de savants, botanistes, cartographes, peintres ou aquarellistes et dirigées par de grands navigateurs : Cook, Bougainville, La Pérouse, parmi les plus illustres, sillonnent les Mers du Sud. Le regard de ces voyageurs sur les moeurs et les coutumes des « naturels » influencera le goût des Européens. Les pièces en or, en ivoire ou en plumes, par exemple, seront particulièrement prisés et recherchés.
La notion de « bon sauvage » concernant les hommes, et celle de « curiosités exotiques » propre aux œuvres réalisées dans ces contrées lointaines se développe à l’aulne des Lumières. En Occident, naît le sentiment de l’étrange, du singulier, de l’insolite, inséparable d’une sorte de fascination mêlée de crainte pour ces objets qui, en étant détournés de leur destination d’origine, gagnent en mystère.

3. spécimens ou le grand herbier du monde

La première moitié du XIXe siècle est marquée par un intérêt grandissant pour les sciences naturelles. La flore, la faune, de même que les « productions matérielles » des populations autochtones d’Amérique ou d’Océanie, sont classifiées, répertoriées, cataloguées suivant leur provenance et leur usage, et commencent à prendre place dans les premiers musées européens. Cette collecte élargie due à un approfondissement des connaissances n’exclut pas une vision déformée ou transposée, souvent pittoresque et idéalisée des pays et des hommes rencontrés. L’artiste voyageur répond par l’imaginaire aux visées méthodologiques des savants. Les témoignages de cette époque oscillent ainsi souvent entre réalisme documentaire et cliché exotique ouvert sur le merveilleux.

4. science des peuples, l’invention de l’humanité

Bien que l’esclavage ait été aboli en France en 1848, le regard porté sur l’Autre, à partir des années 1850, ne s’est pas ennobli. Loin s’en faut. L’anthropométrie ou les théories évolutionnistes, établissant une hiérarchie entre races inférieures appelées à disparaître et races supérieures, vont dans le sens du colonialisme et d’un impérialisme qui se cache derrière l’idée de civilisation.
Les musées d’ethnographie, parallèlement, voient le jour et s’enrichissent grâce à des missions à l’étranger de plus en plus fréquentes. A cet égard, les trophées d’armes largement représentées, et les premières prises de vue photographiques illustrent bien la notion de capture, florissante en cette fin de XIXe siècle. Au contraire, l’exposition de fétiches ou de « grossières idoles » dénoncent la barbarie des « indigènes », qualifiés régulièrement de sauvages.
Il faut attendre le début du XXe siècle pour que d’autres regards se posent sur les objets dits primitifs et les hommes qui les ont créées.

5. mutation esthétique

La reconnaissance se fait avant tout au début du XXe siècle par les poètes, collectionneurs et artistes cubistes, expressionnistes, fauvistes, surréalistes.
Cette prise de conscience d’un panthéon de l’art universel, qui englobe toutes les cultures, passe par la redéfinition des termes jusqu’alors employés. Les mots « sauvage », « nègre » ou « primitif » perdent leur connotation péjorative et sont associés à la notion d’« œuvre d’art » qui n’avait pas vraiment droit de cité. « Cannibale », « magie », « fétichisme » sont réutilisés également en réaction contre des codes bourgeois et à un académisme du goût.
Tandis que l’exposition coloniale de 1931 laisse à penser, pourtant, que les préjugés raciaux sont toujours tenaces, une réflexion de plus en plus pointue s’est amorcée sur l’identité de l’objet, sa fonction, son mode de création, même s’il est encore question de styles, de groupes ethniques et d’anonymat de l’artiste. Les critères esthétiques n’en sont pas moins éclectiques, inégaux et dépendent beaucoup des modes qui sont lancées et suivies...
En 1947, André Malraux construit son « Musée imaginaire », « immense éventail des formes inventées » dans lequel les arts primitifs rejoignent les arts sacrés des grandes civilisations. Depuis, quelques manifestations importantes dont l’entrée des « arts premiers » au Louvre confirment la valorisation de sociétés trop souvent méconnues et cette noblesse du regard qui a fini par s’imposer au fil du temps.
Une place importante est réservée à la photographie dans l’exposition.
Issus des principales collections ethnographiques françaises, souvent inédits, les portraits et paysages qui y sont montrés, témoignent d’une certaine conception de l’exotisme propre au XIXe siècle. Au siècle suivant, la photographie, elle aussi, change de statut, passant du stade de simple document au rang d’œuvre d’art.

l’exposition internationale

Il s’agit d’une exposition, qui rassemble des œuvres exceptionnelles (fonds du musée du quai Branly, prêts de grands musées étrangers, art contemporain, créations ...) pendant 3 à 4 mois.
Sa durée de visite est d’environ une heure et demie. Il en est prévu trois pour la saison 2006-2007.

prochaines expositions

Arts de la Nouvelle-Irlande
Le Jardin d’Amour, une installation de Yinka Shonibaré

D’Un regard l’Autre

commissaire d’exposition : Yves LE FUR
direction de projet : Hélène CERUTTI
architectes: Stéphane MAUPIN, Nicolas HUGON

Qu'est-ce qu'un corps?

J’ai un corps bien à moi, semble-t-il, et c’est ce qui fait  que je suis moi. Je le compte parmi mes propriétés et prétends exercer sur lui  ma pleine souveraineté. Je me crois donc unique et indépendant. Mais c’est une illusion, car il n’est pas de société humaine où l’on pense que le corps vaille par lui-même. Tout corps est engendré, et pas seulement par ses pères et mères.  Il n’est pas fabriqué par celui qui l’a, mais par d’autres. Pas plus en Nouvelle-Guinée, en Amazonie ou en Afrique de l’Ouest qu’en Europe, n’est-il pensé comme une chose. Il est au contraire la forme particulière de la relation avec l’altérité qui constitue la personne. Selon le point de vue de l’anthropologie comparative adopté ici, cet autre est, respectivement, l’autre sexe, les espèces animales, les morts ou le divin (sécularisé, à l’âge moderne, dans la téléologie du vivant). Oui, mon corps est ce qui me rappelle que je me  trouve dans un monde peuplé, par exemple, d’ancêtres, de divinités, d’ennemis ou d’êtres du sexe opposé. Mon corps bien à moi? C’est lui qui fait que  je ne m’appartiens pas, que je n’existe pas seul et que mon destin est de vivre en société.


224 pages au format 24 x 26 cm

240 illustrations en couleur

1 carte

prix de vente public : 45 €

isbn 2-915133-17-4

Coédition musée du quai Branly/Flammarion

commissaire d'exposition

Stéphane Breton, anthropologue, réalisateur de films documentaires, maître de conférences à l'EHESS, membre du laboratoire d'anthropologie sociale (EHESS/CNRS/Collège de  France). Il a publié plusieurs livres parmi lesquels :  Télévision, Grasset,  2005, La mascarade des sexes, Calmann-Lévy, 1994, Les fleuves immobiles, Calmann-Lévy, 1994. Il a également réalisé trois films, chroniques de séjours passés chez des peuple des Hautes-Terres de Nouvelle-Guinée, les Wodani, et chez les Kirghizes, diffusés sur Arte : Eux et moi, Les  films d'ici & Arte, 2001 ; Ciel dans un jardin, Les  films d'ici & Arte, 2003, Un été silencieux, 2006.

les auteurs

Michèle Coquet, anthropologue, chargé de  recherches au CNRS, membre du laboratoire « Systèmes de Pensée en Afrique  Noire » (EPHE/CNRS) 

Michael Houseman, anthropologue,  directeur d’édudes à l’Ecole pratique des Hautes Etudes, directeur du  laboratoire « Systèmes de Pensée en Afrique Noire » (EPHE/CNRS)

Jean-Marie Schaeffer, philosophe,  directeur de recherche au CNRS, directeur du Centre de recherche sur les arts  et le langage (CNRS/EHESS)

Anne-Christine Taylor, anthropologue,  directeur de recherches au CNRS, membre de l’équipe de recherche en Ethnologie amérindienne 

Eduardo Viveiros de Castro,  anthropologue, professeur d’anthropologie au Museu Nacional do Brasil, Rio de  Janeiro, directeur de recherches associé à l’équipe de recherche en Ethnologie  amérindienne (CNRS).

Qu'est ce qu'un corps?

Pendant 18 mois, la grande exposition d’anthropologie porte sur les enjeux universels des relations entre les hommes ; elle est l’aboutissement d’une recherche scientifique transversale.


galerie suspendue Ouest (billet d’entrée du musée)
jusqu'au 23 septembre 2007

Qu’est-ce qu’un corps ? À cette question, la première grande exposition d’anthropologie du musée du quai Branly propose une réponse inattendue.
Elle invite le visiteur à comparer la manière dont le corps et la personne sont représentés dans quatre régions du monde : Afrique de l’Ouest, Europe occidentale, Nouvelle-Guinée, et Amazonie. Contre l’idée typiquement occidentale du corps comme siège d’une irréductible singularité, l’équipe d’anthropologues dirigée par Stéphane Breton montre qu’aucune société humaine – y compris la nôtre, malgré ce qu’elle croit – ne fait du corps une « chose privée », un objet strictement individuel. En effet, le corps est compris par différents peuples comme un produit semi-fini qu’il faut achever : il est l’objet d’un travail, d’une « fabrication ». « Je ne suis pas seul dans mon corps» : par le corps, l’individu noue une relation avec « quelque chose qui n’est pas soi », qui change selon les cultures. Le corps est le lieu d’expression d’une confrontation : masculin/féminin, vivant/non-vivant, divin/image, humain/non-humain… Autant d’oppositions qui se retrouvent dans les productions rituelles, sociales, artistiques (sculptures, objets, images du corps…) présentées ici.

Qu’est-ce qu’un corps ? sous la direction de Stéphane Breton, 224 pages, coédition musée du quai Branly/Flammarion, 45 €

le parcours de l'exposition

Il s’articule autour de quatre grands axes qui mettent l’accent sur une zone géographique bien déterminée en offrant chaque fois une vision différente de cet « autre » qui constitue le corps, à savoir, les morts pour l’Afrique de l’Ouest, le divin pour l’Europe, l’autre sexe  pour la Nouvelle-Guinée, et le règne animal pour l’Amazonie.

1 -  l’Afrique de l’Ouest

le corps et ses doubles (les ancêtres, les fondateurs mythiques et le génie de la brousse)

Dans les sociétés d’Afrique de l’Ouest comme les Dogon, les Bambara, les Sénoufo ou les Lobi, le façonnement du corps est inséparable de la relation étroite qui unit les vivants à leurs ancêtres, garants de prospérité et de fécondité.
Par ailleurs, les hommes vouent un culte aux êtres mythiques qui auraient fondé le village à l’origine. Ces figures emblématiques s’incarnent en des sculptures à représentation humaine.
La troisième, tout aussi constitutive du corps, se manifeste à travers le génie de la brousse, sorte d’esprit abstrait et intangible qui, comme les autres doubles, préexiste au corps et lui survit. 

« le corps est de la terre »
L’homme crée des formes, des autels composés d’éléments non figuratifs issus généralement de la terre et figurant les ancêtres.

« le nouveau-né est un étranger »
Le nouveau-né appartient au monde des ancêtres et des génies. Un certain nombre de rituels dont la circoncision et la scarification lui permettront de devenir une personne à part entière.

« jeux de miroirs »
La statuaire renvoie l’image de figures mythiques exemplaires. La noblesse de l’attitude, les attributs, insignes de puissance, de sagesse et de richesse, les marques attestant un pouvoir de fécondité participent de la qualité plastique d’une œuvre et de son efficacité symbolique.

La sculpture est ainsi le contrepoint plastique et nécessaire à la représentation informe ou informelle des ancêtres et à l’invisibilité des génies.

2 -  Europe occidentale

le corps est image

Dans l’Europe chrétienne, l’idée de l’Incarnation, dont le Christ reste le parfait symbole, est fondamentale. L’homme, selon cette conception, a été créé à l’image et à la ressemblance de Dieu et le corps, lieu de l’imitation,  s’impose comme le  signe et l’instrument  de cette relation au divin.
Mais dans le monde moderne, en partie déchristianisé, la transcendance a pris d’autres formes et trouve dans le modèle biologique, un nouvel idéal de beauté.
Cette partie de l’exposition, qui s’attache aux différents modes de représentation du corps en Occident, montre des images souvent dégradées ou déformées, flottant comme des lieux communs dans l’espace. Confrontée à cet univers virtuel, figure une seule sculpture, œuvre romane du XIIe siècle qui représente le Christ en croix.

3 - Nouvelle-Guinée

la matrice masculine

En Nouvelle-Guinée, les théories de la procréation selon lesquelles l’embryon est formé par le mélange de la substance sexuelle du père (le sperme) et de la mère (le sang), aboutissent à l’idée que le corps est un composé masculin et féminin. L’être humain serait donc fondamentalement androgyne.

« transformation du contenu en contenant »
Le corps masculin est un corps contenu contrairement au corps féminin qui est un corps contenant.
S’il veut se perpétuer, l’homme doit réaliser ses propres capacités maternelles, devenir un corps englobant, un corps fécond qui contienne quelque chose. Cette ambition est réalisée de manière symbolique par les rites d’initiation au cours desquels on utilise des sculptures rituelles figurant la transformation du corps contenu en corps contenant.
Dans le Golfe de Papouasie, c’est par la dévoration que le corps masculin affirme sa féminité. De cette manière, l’objet masculin englouti devient un objet englobant.
Dans la région du Fleuve Sépik, les crochets et tubes phalliques ornant les objets rituels se rejoignent pour transformer le corps masculin en organe d’engloutissement. 

« le corps féminin est la forme idéale du corps masculin »
La forme idéale et ritualisée du corps viril accompli est représentée par un ancêtre masculin portant un pagne féminin, par un crocodile ou un monstre de vannerie mettant symboliquement au monde les garçons par dégorgement ou excrétion. C’est un corps dont la matrice maternelle a fourni le modèle plastique et qui devient un corps social, permettant aux pères de se perpétuer dans leurs fils.

4 – Amazonie

un corps fait de regards

En Amazonie, dans les basses terres d’Amérique du Sud, le corps n’a pas de forme propre. Il prend celle que lui impose le rapport particulier entretenu avec tel autre sujet en fonction des regards échangés, entre celui qui perçoit et celui qui est perçu.
Avoir un corps humain est un état relatif qui dépend aussi de la relation de prédation. 

« corps de parent »
Avoir un corps humain implique des dispositions morales à l’égard de ses congénères et des non humains. Ces dispositions, inscrites dans le corps, sont signalées par le vêtement et l’ornementation.
Les plumes de certains oiseaux, par exemple, sont destinées à faire savoir qu’on possède des capacités à vivre en couple ou « en parents ».

« corps de proie et de prédateur »
La solitude, la faiblesse, la maladie et la mort signalent que notre corps est devenu une proie, victime d’une prédation invisible.
Devenir un prédateur, au contraire, c’est voir autrui comme une proie. Cette métamorphose est signalée par des parures de dents et de griffes, par des peintures, par des comportements singuliers.
Les esprits prédateurs sont souvent matérialisés par des masques ou des trophées humains. Ces effigies, toujours pourvues d’yeux et de crocs, matérialisent le corps de non humains animés de dispositions hostiles à l’égard des vivants.

en relation avec l'exposition...

... quelques vitrines du parcours permanent de l'exposition à découvrir.

Afrique de l’Ouest

Une belle sculpture bamana est présentée seule dans la vitrine AF 028, une autre est montrée aux côtés de deux autres statuettes féminines dogon et mossi dans la vitrine AF029.
Les vitrines AF 030 avec de la statuaire Sénoufo, et AF 061 avec un choix important de sculptures lobi permettront de prolonger la visite. 


La vitrine OC 004 présente deux crochets et une planche malu liée au rite de passage des jeunes hommes et la vitrine OC 005 ne contient que des crochets. Nous retrouvons un crochet accompagné d’un masque dans la vitrine OC 008. Une série de masques au long nez est également visible dans la vitrine 0C 024 tandis que la vitrine OC 023 propose des statuettes d’ancêtres de clans dont un intéressant mortier à bétel.


Les vitrines AM 020 et AM 023 offrent au regard un grand éventail de parures de plumes. La vitrine AM 022 contient une seule grande coiffe mojo de Bolivie, impressionnante par la richesse de ses couleurs.

qu’est-ce qu’un corps ?

commissaire général d’exposition : Stéphane BRETON
scénographie : Frédéric DRUOT

Planète Métisse

sous la direction de Serge Gruzinski

To Mix ot not to mix ?

Il s’agit de s’attarder sur la notion de métissage, sujet d’actualité s’il en est, en confrontant le lecteur à une série d’oppositions communes, remettant en question le goût marqué de l’Occident pour le dualisme : classique/ethnique, antique/classique, primitif/premier, folklorique/colonial, exotique/typique…

Exposition et publication s’ouvrent sur des questions liées à l’idée de métissage qui conduisent, presque sans transition, à une exploration des mémoires. Ces éléments incitent logiquement à réfléchir sur la manière dont se sont « fabriqués » les objets métis dont il est souvent malaisé de définir les contours. Ils pourraient être définis comme l'expression d'une création  humaine surgie à la confluence des mondes européens et des sociétés d'Asie, d'Afrique et d'Amérique. Ils se situent au cœur d’une histoire planétaire qui se joue depuis le XVe siècle jusqu’à nos jours.

Après plusieurs étapes qui feront découvrir nombre d’œuvres peu connues, le parcours s’achève par une rencontre avec les imaginaires métis contemporains, notamment à travers les cinématographies asiatiques et hollywoodiennes.


184 pages au format 24 x 26 cm

150 illustrations environ

Prix de vente public : 45 €

Couverture cartonnée

Isbn 978-2-7427-7344-2/978-2-915133-81-3

Coédition musée du quai Branly/Actes Sud

commissaire d'exposition

Serge Gruzinski est historien ; directeur de recherche au CNRS, et directeur d'études à l’EHESS, il est l’auteur de plusieurs livres fondateurs. Après avoir consacré un ouvrage à la guerre des images que s’étaient livrée les Espagnols et les Indiens mexicains durant les premiers siècles de la colonisation (Guerre des Images – de Christophe Colomb à « Blade Runner » (1492 – 2019), Fayard, 1990), il signe, en 1995, un essai plus largement développé : La pensée métisse. Il est également l’auteur de L’aigle et la sibylle, Fresques indiennes du Mexique, paru chez Actes Sud / Imprimerie nationale.

Planète métisse : to mix or not to mix

18 mars 2008 - 19 juillet 2009

affiche de l'exposition métisse

Métissages, colonisation, mondialisation, "choc des civilisations"...

Rendant compte du contact des peuples et des traditions, de la coexistence d'identités mélangées, la notion de métissage traduit une manière de concevoir les rapports entre altérités. L'exposition Planète Métissesouhaite susciter l'imaginaire des visiteurs dans le cadre d'un parcours qui fait dialoguer les objets entre eux, du XVème siècle à nos jours. Elle analyse les répercussions de l'expansion européenne, principalement ibérique, sur les autres civilisations et les influences croisées entre Est et Ouest dans le sillage des grandes expansions, chinoise et musulmane notamment. Cette exposition sur les objets et les arts métis met en valeur la richesse des productions artistiques issues du métissage des manières de faire et de croire, de créer et de concevoir.

autour de l'exposition

site internet dédié

Cliquez ici pour voir le site internet de l'exposition


consultez et téléchargez le flyer de l'exposition

catalogue : Planète métisse 

sous la direction de Serge Gruzinski - 224 p - coédition musée du quai Branly et Actes Sud - 45 €. Pour plus d'information sur le catalogue, cliquer ici

carnet de l'exposition

- 16 p - 3 €

parcours audioguidé

Avec l’audioguide « Planète Métisse », Serge Gruzinski, commissaire de l’exposition, Alessandra Russo, historienne et assistante du commissaire, et Boris Jeanne, historien, vous accompagnent tout au long du parcours de l’exposition.

Paris, ville métisse

Une journée de découverte consacrée aux métissages : après la visite de l’exposition, partez à la découverte du quartier chinois de Paris...

en savoir plus sur le déroulement et les tarifs de Paris, ville métisse... 

fiche-parcours de l'exposition

téléchargez la fiche-parcours...

cycle cinéma au salon de lecture Jacques Kerchache villes métisses

le dernier samedi du mois à 16h -  rendez-vous gratuit et accessible sans réservation dans la limite des places disponibles

voir la programmation détaillée du cycle cinéma villes métisses

archives novembre 2008 : cycle cinéma Métissages de l'image, métissage du regard...

salle de cinéma du musée du quai Branly

14 séances en accès libre, dans la limite des places disponibles

voir le programme des séances...

commissariat : Serge Gruzinski

Spécialiste international du Nouveau Monde, Serge Gruzinski a déjà collaboré avec le musée du quai Branly. En 2004, il avait la direction scientifique du colloque « L’Expérience Métisse », qui proposait de confronter différents regards sur la problématique du métissage dans les civilisations du monde.

Serge Gruzinski est historien ; directeur de recherche au CNRS, et directeur d'études à l’EHESS, il est l’auteur de plusieurs livres fondateurs.
Après avoir consacré un ouvrage à la guerre des images que s’étaient livrée les Espagnols et les Indiens mexicains durant les premiers siècles de la colonisation (Guerre des Images – de Christophe Colomb à « Blade Runner » (1492 – 2019), Fayard, 1990), il signe, en 1995, un essai plus largement consacré à la « pensée métisse ».

le Siècle du Jazz

affiche de l'exposition le siècle du jazz


galerie Jardin

billet exposition temporaire ou billet jumelé

du 17 mars au 28 juin 2009


commissariat : Daniel Soutif

Le jazz constitue, avec le cinéma et le rock, l’un des événements artistiques majeurs du XXème siècle. Cette musique hybride a marqué la culture mondiale de ses sons et de ses rythmes.

L’exposition, conçue par le philosophe et critique d’art Daniel Soutif, présente de manière chronologique les relations entre le jazz et les arts graphiques à travers tout le XXème siècle.

De la peinture à la photographie, du cinéma à la littérature, sans oublier le graphisme ou la bande-dessinée, l’exposition montre plus particulièrement le développement du jazz en Europe et en France dans les années 30 et 40.

e parcours de l’exposition

Life, 1 July 1926 (F.G. Cooper, 1926) © Collection Philippe Baudoin
Life, 1 July 1926 (F.G. Cooper, 1926) © Collection Philippe Baudoin

L’exposition est articulée en dix sections chronologiques reliées entre elle par une “timeline”, vitrine verticale traversant l’exposition où seront réunis œuvres, objets et documents, partitions illustrées, affiches, disques et pochettes, photographies…, chargés d’évoquer de façon directe les principaux événements de l’histoire du jazz.

Cette timeline structurée par années constitue le fil rouge de l’exposition que suivent les sections, elles-mêmes divisées en salles thématiques ou monographiques.

1. Avant 1917

Il est évidemment impossible de dater précisément la “naissance” du jazz. Mais depuis longtemps, on s’accorde à considérer l’année 1917 comme une charnière décisive. Cette date est marquée par deux événements décisifs : l’un est la fermeture de Storyville, le quartier réservé de la Nouvelle Orléans, dont les célèbres lieux de plaisir ont été l’un des creusets du jazz (creuset dont la disparition provoquera l’immigration des musiciens vers le nord des États-Unis, Chicago et New York en particulier) ; l’autre événement-charnière est l’enregistrement sinon du premier disque de jazz, du moins du premier disque affichant le mot « jazz » sur sa pochette (ou, plus exactement : « jass »). Ce 78 tours de l’Original Dixieland ‘Jass’ Band comportait deux titres : Livery Stable Blues et Dixie Jass Band One Step.

Les signes avant-coureurs — minstrels, gospel, cake-walk, ragtime… — du phénomène musical qui s’apprêtait à bouleverser le siècle ont inspiré de nombreux artistes bien avant cette date : les Afro-américains, les Américains comme Stuart Davis ou les Européens comme Pablo Picasso.

2. « Jazz Age » en Amérique 1917-1930

Cette deuxième section rend compte de la fantastique vogue du jazz qui marque la culture américaine après la première guerre mondiale. Cette vogue est telle qu’après son utilisation par F. Scott Fitzgerald en titre de l’un de ses livres, l’expression « Jazz Age » sera régulièrement reprise pour qualifier l’époque toute entière, voire une génération, et plus seulement sa bande son.

Cette section s’ouvre par l’œuvre de Man Ray précisément intitulée Jazz (1919) et réunit divers autres artistes américains ou résidant aux Etats-Unis comme James Blanding Sloan, Miguel Covarrubias ou Jan Matulka.

The King of Jazz, l’extraordinaire film de John Murray Anderson dédié à Paul Whiteman, marque comme un bouquet de feu d’artifice la fin de ces années qu’on a aussi dites « folles ».

3. Harlem Renaissance 1917-1936

L’un des faits les plus remarquables de cette période du « Jazz Age » est l’émergence à Harlem (mais aussi dans d’autres grandes villes américaines) d’une culture afro-américaine. La musique en est certainement l’aspect majeur.

Sous la houlette de quelques figures incontournables comme Carl van Vechten et Winold Reiss, de nombreux artistes (africains-américains ou non) produisent au cours des années 20 une quantité considérable d’œuvres tant littéraires que visuelles qui trouvent souvent dans la musique bien plus qu’un sujet de prédilection. Cette section de l’exposition est l’occasion de découvrir entre autres peintures, dessins et illustrations d’Aaron Douglas, d’Archibald Motley, de Palmer Hayden et d’Albert Alexander Smith.

4. « Jazz Age » en Europe 1917-1930

L’histoire est assez bien connue de la découverte par les Européens des rythmes syncopés apportés par l’orchestre militaire de James Reese Europe, lequel fut bientôt suivi par les spectacles venus de Harlem et, tout particulièrement, par la célébrissime Revue nègre qui fit de Joséphine Baker la coqueluche de Paris - et de Paul Colin une star de l’affiche artistique.

De Jean Cocteau à Francis Picabia, de Kees van Dongen à Fernand Léger, le virus du jazz pénètrera durant l’entre-deux-guerres tous les aspects de la culture du vieux continent. Dès 1918, le dadaïste Marcel Janco intitule Jazz une toile importante… Cette section évoque également les séjours à Paris de quelques unes de figures de la Harlem Renaissance, tel Albert Alexander Smith.

Il reviendra à Paul Colin le soin d’illustrer ce « Tumulte noir » par le biais de son fameux portfolio.

5. Les années Swing 1930-1939

Au « Jazz Age » succède la mode du Swing et des grands orchestres, tels ceux de Duke Ellington, Count Basie, Benny Goodman ou Glenn Miller, qui feront danser les foules sur le volcan des années trente.

Avec l’avènement du cinéma sonore, de nombreux films témoignent de cette époque, et de prestigieux artistes puisent leur inspiration dans la séduisante pulsation syncopée du jazz, comme Frantisek Kupka ou le réaliste régionaliste Thomas Hart Benton. Durant cette période, la plupart des artistes apparus dans le contexte de la Harlem Renaissance, comme Carl van Vechten, ont naturellement continué de travailler tandis que d’autres peintres afro-américains comme William H. Johnson commencent leur carrière.

6. War Time 1939-1945

La seconde guerre mondiale marque de façon dramatique toute la culture mondiale. Musiques aux armées et autres V-Disc seront sur tous les fronts. Du coup le jazz et ses répercussions dans d’autres domaines artistiques n’échappent naturellement pas aux atteintes de ce cataclysme. Ainsi, c’est pendant ces années que Piet Mondrian, émigré à New York, découvre le Boogie Woogie qui détermine de façon essentielle ses derniers chefs d’œuvre. Pendant ce temps-là à Paris, alors que l’accoutrement (Zoot Suit !) des “Zazous”  — probablement baptisés ainsi à partir d’un morceau de Cab Calloway — manifeste de façon ironique une opposition, certes sans grand risque, à l’occupant, Dubuffet se prend quelques temps de passion pour la musique qu’écoutent ces jeunes gens et en tire quelques superbes tableaux et de très vivants dessins. Matisse, quant à lui, élabore son célébrissime Jazz en 1943 … Côté danse américaine, le Jitterbug est maintenant le pas du jour, salué par une magnifique série de peintures dues à William H. Johnson.

Evénement d’importance primordiale pour le futur, la fin de cette décennie voit un tout jeune graphiste encore inconnu, nommé Alex Steinweiss, produire pour Columbia la première pochette de disque…

7. Bebop 1945-1960

La fin de la guerre coïncide avec l’avènement du Bebop, révolution musicale lancée par Charlie Parker, Dizzy Gillespie, Thelonious Monk, Miles Davis et quelques autres. Le jazz devient moderne.

Côté peinture, l’expressionnisme abstrait, ou Action Painting, s’apprête à voir le jour. Quelques-unes des figures qui en seront les vedettes trouvent leur inspiration non seulement chez les artistes européens exilés aux Etats-Unis pendant la guerre, mais aussi dans la musique de jazz qu’ils écoutent sans discontinuer, tel est le cas de Jackson Pollock. Figuratif, mais proche par l’esprit de ce mouvement, le peintre Larry Rivers, également saxophoniste, dédie plusieurs tableaux à la musique qui le passionne. Artiste afro-américain, figuratif mais indubitablement moderniste, Romare Bearden produit alors de nombreuses œuvres liées à la musique de sa communauté. En Europe, un Nicolas de Staël dédie certaines de ses plus importantes peintures à une musique qui attire encore des foules de jeunes gens…sur le point de se tourner vers le rock.

Cet après-guerre voit également surgir, avec le microsillon, un nouveau champ artistique, mineur mais passionnant : celui de la pochette de disque (Record Cover). Anonymes ou célèbres, comme Andy Warhol, des dizaines de graphistes vont s’adonner à l’exercice de séduction du mélomane au format 30 X 30 cm. Grand consommateur d’images, cet art très appliqué offrira à certains grands noms de la photographie, notamment à Lee Friedlander, un commencement de carrière étincelant. D’autres photographes franchement spécialisés, comme Herman Leonard, s’y conquièrent une notoriété considérable.

Le cinéma des années cinquante s’est souvent laissé contaminer par ce jazz moderne, si facilement capable d’adapter ses rythmes et ses couleurs expressives aux images en noir et blanc d’alors : parmi des dizaines d’autres longs métrages, en témoignent emblématiquement l’Ascenseur pour l’échafaud de Louis Malle (avec la musique de Miles Davis) ou le Shadows de John Cassavetes (avec celle de Charlie Mingus).

8. West Coast Jazz 1949-1960

La vulgate de l’histoire du jazz veut que le Bebop ait été noir et new-yorkais et que lui ait répondu, à l’ombre des studios de cinéma de Hollywood, un West Coast Jazz, si « frais et raffiné » que certains n’ont pas manqué de le juger efféminé. A nuancer considérablement, cette façon de voir les choses n’est pas complètement fausse. La comparaison du graphisme des compagnies de disques basées sur chacune des côtes illustre cette opposition : plages ensoleillées et blondeur virevoltante à l’ouest des photographies de William Claxton, lettrage géométrique et portraits de musiciens noirs à l’est… De nombreux jazzmen fameux de la côte Ouest, le plus souvent blancs il est vrai, gagnent alors confortablement leur vie en concoctant les musiques du cinéma hollywoodien, qui porte donc leur trace si caractéristique… Cela ne les empêche pas d’aller jammer le dimanche dans des clubs dont la Lighthouse d’Howard Rumsey restera le symbole.


9. La révolution Free 1960-1980

En 1960 paraît l’album Free Jazz d’Ornette Coleman. Avec son titre à double entente (« libérez le jazz / jazz libre »), ce disque dont la couverture s’ouvre sur une reproduction du White Light de Jackson Pollock, marque une nouvelle redistribution des cartes : après la période moderne, vient le moment de l’avant-garde libertaire…

À cette “révolution Free” contemporaine des mouvements de libération des noirs — Black Power, Black Muslims, Black Panthers… ¬— répondent dans les arts plastiques les travaux d’artistes comme le météorique Bob Thompson. Cette période est aussi celle où, liberté aidant, l’Europe donne sa version de la Free music, dans des performances parfois proches de l’esprit Fluxus. Parmi les nombreux effets de cette ouverture, on peut signaler Carnet de notes pour une Orestie africaine (Appunti per un Orestiade africana), l’étonnant brouillon de film dans lequel Pier Paolo Pasolini invita les improvisations du free jazzman Gato Barbieri à rencontrer à la fois Eschyle et l’Afrique.


10. Contemporains 1980-2002

Les arts plastiques ont commencé à recourir régulièrement à l’adjectif “contemporain” au détour des années 60, probablement parce que le terme “moderne” ne collait plus très bien aux nouvelles formes alors en gestation. L’expression “jazz contemporain”, en revanche, n’est pas passée dans les mœurs : dans les “Mondes du jazz” (pour reprendre le titre d’un livre d’André Hodeir), les époques cohabitent et, aujourd’hui, se marient et se mêlent parfois. L’exposition donne un aperçu des deux dernières décennies en soulignant la prédominance de trois pôles : le premier, sous la houlette de Wynton Marsalis, historicise le Bebop de façon presque académique, à l’instar de la musique dite classique, et l’invite régulièrement uptown sur les scènes distinguées du Lincoln Art Center de New York ; le second, avec John Zorn pour chef de file, poursuit et développe la tradition libertaire et avant-gardiste héritée du Free et s’est installé Downtown dans de petits clubs plus ou moins autogérés, où est souvent célébrée la composante juive — Great Jewish Music, annonce le titre d’une série de disques dirigée par Zorn où figure notamment un album d’hommage à Serge Gainsbourg ; le troisième est, tout simplement, le reste du monde, et en particulier l’Europe où de nombreux musiciens de grand talent démontrent chaque jour l’universalité du jazz et de ses multiples descendances sans faire plus que cela référence à un modèle américain.

Aussi, la présence du jazz dans les arts contemporains reste considérable. En témoignent nombre de tableaux imprégnés de Black Music peints par Jean-Michel Basquiat au cours de sa brève carrière, telle ou telle vidéo d’Adrian Piper ou de Lorna Simpson, ou encore cette admirable photographie de Jeff Wall inspirée par le prologue de The Invisible Man de Ralph Ellison.

Titrée Chasing the Blue Train, la grande installation réalisée en 1989 par le mythique artiste afro-américain David Hammons - avec son petit train jouet toujours en marche, ses tas de charbon et ses caisses de piano dressées sur le flanc - fournit à l’exposition tout entière la conclusion suivante : si le XXème, ce siècle du jazz, est bel et bien fini, le train de la musique qui l’aura accompagné, plus peut-être que tout autre, est quant à lui toujours en mouvement.

Artistes d’Abomey

dialogue sur un royaume africain

mezzanine Est

du mardi 10 novembre 2009 au dimanche 31 janvier 2010

commissariat : Gaëlle Beaujean, responsable de collections Afrique au musée du quai Branly

avec la collaboration de Joseph Adandé, historien de l’art à l’Université d’Abomey-Calavi et de Léonard Ahonon, gestionnaire et conservateur du site des palais royaux d’Abomey


Cette exposition présente, à travers 82 œuvres et 8 documents graphiques anciens, les artistes du royaume du Danhomè (1600-1894), dans l’actuel Bénin.

Elle a pour objet de présenter leurs œuvres mais aussi d’interroger leur rôle et leur statut au sein de la société danhoméenne, et plus spécifiquement dans la capitale Abomey. En effet les artistes, choisis par le roi, jouissent de grands privilèges tout en étant contraints par leur allégeance. L’exposition explorera à travers leurs créations les différentes fonctions de l’art à Abomey.

Il s’agit par ailleurs d’associer des artistes et des familles d’artistes à chaque type d’objets présentés. Cette nouvelle approche est le fruit d’un travail de recherche mené par l’équipe scientifique, qui a abouti à une attribution –parfois très fine- de certains objets.

L’exposition propose enfin un double regard sur les œuvres présentées : celui du pays d’origine (grâce à la participation de deux scientifiques béninois) et celui de la commissaire française.

parcours de l’exposition

Après un espace introductif présentant une carte ancienne et une généalogie des rois d’Abomey, l’exposition présente le statut et le rôle de l’artiste au sein de la société danhoméenne en cinq séquences.

la mémoire des noms

Cette séquence présente les sculptures de six artistes identifiés nommément, cas relativement rare dans l’art africain. Y seront présents quelques chefs d’œuvres de l’art d’Abomey, parmi lesquels la statue du dieu Gou d’Akati Ekplékendo, ou les statues des rois Glélé et Béhanzin, de Sossa Dede

l’artiste de cour, Maître - servant

Il sera question dans cette séquence d’expliquer la place des artistes : comment le devient-on ? Quels sont les avantages du Maître, les indices de l’asservissement ?

Les artistes créaient pour le roi des regalia et narraient ses exploits. Cette séquence réunira à la fois les emblèmes royaux et les œuvres porteuses de l’histoire officielle.

On y verra notamment une récade précieuse en ivoire, deux trônes marquant le pouvoir du roi de manière imposante.

Des informations sur le terrain ont permis de déterminer l’usage et les emplacements de certaines œuvres dans les palais. Les rois possédaient des objets exotiques, des typologies de sculptures comme les ibeji (statuettes de jumeaux yoruba).

Sous le vocable « trésor de Béhanzin » sont rassemblées certaines de ces pièces saisies par les officiers français. Une partie de ce « trésor » constitue la quasi-totalité de cette séquence.

la distinction par les arts

Les artistes intervenaient également pour des dignitaires et les soldats, ici les amazones. La possession d’œuvres provenant des ateliers royaux constituait un privilège.

Quatre catégories de personnes étaient ainsi honorées :

  • le premier ministre ou migan : très proche du roi, il était notamment chargé d’exécuter les prisonniers pendant les coutumes annuelles destinées à communiquer avec les ancêtres royaux
  • les amazones, femmes soldats de l’armée du Danhomè
  • le prêtre d’Héviosso (divinité du tonnerre)
  • les devins pour lesquels les artistes réalisaient le matériel de géomancie

Cette séquence montre notamment deux couteaux et une tenue que le ministre portait pour les décapitations, ainsi que la précieuse récade du prêtre d’Héviosso.

sur les murs des Palais

Les artistes d’Abomey sont enfin intervenus sur les murs, les portes, les piliers des palais royaux. L’exposition présentera des bas-reliefs et des portes en bois issus de ces palais.

En regard, les acryliques sur toile de l’artiste Cyprien Tokoudagba permettront d’aborder la réalité de l’art contemporain à Abomey, toujours vivant et inspiré des œuvres d’art des ateliers royaux passés.

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Présence Africaine

une tribune, un mouvement, un réseau

mezzanine Est

du mardi 10 novembre 2009 au dimanche 31 janvier 2010

commissariat : Sarah Frioux-Salgas

Présence africaine est la revue littéraire et culturelle fondée par l’intellectuel sénégalais Alioune Diop en 1947, devenue également une maison d’édition à partir de 1949. Elle a été un outil de diffusion qui a permis aux intellectuels et écrivains noirs de revendiquer leurs identités culturelles et historiques que le contexte colonial niait ou « exotisait ».

Cette exposition présente de nombreux ouvrages et documents d’archives, des photographies et quelques objets. Des enregistrements sonores et audiovisuels occupent également une place importante : documents d’époque et interviews spécialement réalisés pour cette exposition ponctuent le parcours.

Il s’agit de donner à voir l’émergence et l’influence d’un mouvement, d’une tribune pour la pensée et les revendications du monde noir à une époque où la majeure partie de l’occident en avait une vision déformée, voire dépréciatrice.

parcours de l’exposition

L’exposition présentera 4 sections, précédées d’une séquence introductive.

ouverture de l’exposition

C’est un objet Dogon qui se trouve être le symbole de la revue, et qui fera l’ouverture de l’exposition. Il s’agira de présenter succinctement la revue et la maison d’édition Présence Africaine, et de rappeler la pertinence d’une telle exposition aujourd’hui. Des interviews de personnalités phares du mouvement seront diffusées.

section 1 L’Atlantique noir du panafricanisme à la négritude

La revue Présence Africaine est l’héritière d’une part d’une « presse noire » qui existait en France dans les années 1920-1930, et d’autre part, d’un mouvement politique et culturel international.

Quatre grands ensembles sont distingués dans cette séquence, présentant à la fois la vie culturelle, politique et intellectuelle parisienne liée à la « vogue nègre » et le caractère international des débats :

  • les influences des Noirs Américains et des intellectuels d'Haïti
  • Paulette Nardal et son salon littéraire
  • les militants pour l’égalité des droits, contre le colonialisme et contre la ségrégation
  • la Négritude

Cette section présente essentiellement des documents d’archives, notamment des exemplaires inédits de la presse noire engagée d’entre deux guerres, ainsi que de la Revue du monde noir de Paulette Nardal

section 2 la revue et la maison d’édition Présence Africaine : un projet, des engagements

Cette séquence présente quels étaient le projet et les engagements de Présence Africaine et comment son fondateur, Alioune Diop, a réussi à fédérer tous les acteurs des diasporas noires.

Présence Africaine a publié tous les grands textes de Césaire ; elle a participé à la diffusion, par une traduction anglaise, du texte sur la négritude de Jean-Paul Sartre « Orphée Noir » (1948), et a également édité le célèbre ouvrage de Cheik Anta Diop, Nations nègres et cultures (1954).

Deux grands ensembles sont distingués dans cette séquence :

  • création de la revue : « N'iam goura ou raison d'être de Présence Africaine »
  • les engagements éditoriaux : de l’inventaire des cultures noires à l’anticolonialisme

Cette section présentera entre autres d’exceptionnels documents manuscrits de Sartre et de Breton, ainsi que des photos originales d’Alfred Metraux. De grands mouvements et figures de l’histoire et de la culture noire seront évoqués, tels que les Black Panthers ou Malcolm X.

section 3 1956-1959 : les intellectuels noirs débattent. Les congrès des artistes et écrivains noirs (Paris Sorbonne, 1956 – Rome, 1959)

Deux congrès des artistes noirs ont été organisés par Présence Africaine: les deux manifestations de 1956 et 1959 ont en effet été essentiellement initiées et organisées par Alioune Diop qui a tenté d’appliquer, dans la pratique, les principes développés dans ses engagements éditoriaux.

L’objectif de ces congrès, qui se déroulent aux moments de la colonisation, de la Guerre froide, de l’apartheid et de la ségrégation raciale aux Etats-Unis, était de faire un inventaire et un état des lieux de la culture en Afrique, de réfléchir à la situation des noirs dans le monde. Cette séquence est ainsi l’occasion d’évoquer les débats qui animaient le monde littéraire et intellectuel noir des années 1950-1960.

Des exemplaires originaux des affiches réalisées par Picasso pour les deux congrès, des photographies et des enregistrements audio inédits illustrent cette section.

section 4 Dakar 1966 : les arts d’Afrique en Afrique

En organisant les deux congrès, Présence Africaine a offert une tribune aux intellectuels et aux écrivains de la diaspora noire. En initiant et en participant activement à l’organisation du Premier festival mondial des arts nègres (Dakar, 1966), Présence Africainepoursuit son travail de valorisation de la richesse et de la diversité des pratiques artistiques des Africains mais aussi de la diaspora.

Ce festival est le premier grand évènement culturel organisé en Afrique par un jeune Etat africain indépendant. Cet évènement fut donc aussi un enjeu politique fort pour Léopold Lédar Senghor, président de la jeune république du Sénégal.

Trois grands ensembles sont distingués dans cette séquence :

  • organisation à Dakar du Premier festival mondial des arts nègres (avril 1966)
  • les évènements multiples lors du festival
  • exposition sur « l'art nègre » : de Dakar (avril 1966) à Paris (Grand Palais, juin 1966)

Dans cette section, outre les affiches et programmes d’époque, sont présentés une partie des objets exposés à Dakar lors de l’exposition de 1966. Une installation vidéo donne en outre un aperçu de la richesse des arts vivants lors du festival.

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